如何玩转复古设计风

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踏上时光机,让历史激发你的设计灵感。

现代平面设计常会借鉴过去的设计风格,的确,欣赏过去的设计无论从美学还是文化上都可以得到借鉴,激发灵感。但是,古为今用,需要创新,而不是一味的复制和模仿。

现在让我们来看下公元1850年至2000年这150年间的平面设计,学习从过去的设计得到的灵感,给你的作品注入新的活力。

01.维多利亚时代(1850-1900)

维多利亚时代的排印术很强大,当时的审美是越复杂越好。以维多利亚女王统治时期命名的维多利亚时代(以及之前的工业革命)经历了制造业、生产方式、社会和经济的重大变革。

技术的革新普及了印刷术和纸张,企业开始雇佣平面设计师创造商业利益。铸字工人开发出新的装饰性的字体,这些字体华丽对称,花纹复杂,被用在海报、广告、杂志和其他打印材料上。

来自维多利亚时代设计的灵感:

  • 设计满一整页的画面,且保证画面的对称性
  • 尝试手写体和华丽复杂的字体
  • 给字母添加阴影,轮廓和装饰
  • 将文字和图像融为一体

维多利亚时代的平面设计适用于名字里带有“维多利亚”、 室内装潢新颖独特的咖啡厅。The Brand Bean 设计的标志“Victoria Brown”布局对称,排版独特,形式华丽,顶部还添加了皇冠图案。

02.工艺美术(1870s-1910s)

如果你觉得维多利亚时代的平面设计已经够精细了,那你还没看过工艺美术运动时期的作品。工业革命以后大批工业化生产造成设计水准急剧下降,以威廉·莫里斯为代表的设计家们反对机械化生产,倡导恢复中世纪的手工艺传统,从自然形态中吸取借鉴,来重新提高设计的品味。

来自工艺美术运动的灵感:

  • 从自然界汲取配色的灵感
  • 绘制连锁的,有花的,弯曲的复杂图案
  • 绘制自然的花卉和植物
  • 使用中世纪风格的粗体字

Dana Tanamachi 是一名字体设计师和艺术家,纽约的酒吧、咖啡厅和餐馆随处可见她的粉笔作品。这块黑板被复杂的图案填满,连锁的花卉和植物不仅填补了字母间的空白,还将字母变成像花卉和植物的模样。

Studio Ahamed为有机药用植物花园Puree设计的视觉识别作品(VI)没有繁琐的图案,但是它的配色和绘制都非常贴近自然中真实的植物,美观且能激发别人的食欲。

03.新艺术主义(1880s—1910s)

新艺术运动产生于20世纪交替之际,倡导自然风格,强调自然中不存在直线和平面,装饰上突出表现曲线和有机形态。

新发明和新技术帮助人们提高了对世界的认识,此外,现代女性的解放意识越来越强烈,她们学习、工作甚至骑自行车(这在当时是难以想象的),这使男人感受到了威胁。这表明了当时的女性还处在被束缚的状态。

来自新艺术主义的启发:

  • 受日本传统风格的影响,强调线条和抽象形式
  • 使用弯曲、流畅的线条绘制流动、融为一体的图案
  • 设计应表现出题
  • 以女性的面貌为特征

Juan Hernaz为Ancient Tales of Japan(《日本古代传说》)一书设计的封面具有流行于新艺术主义时期的日本设计风格。标题中的字母“C”和“J”做了点改变,像植物的模样;花朵从底部蔓延,几乎占据整个封面;一只蜻蜓(一个流行的新艺术运动时期的象征)从右上角飞进来。

受Alphonse Mucha作品的启发,设计师Martin Sitta为Violette Chocolatier设计的视觉识别作品中用女人的脸作为品牌logo。Alphonse Mucha是新艺术运动时期的艺术家,他创作的海报和广告以用美女的脸和流畅的线条为特点。

04.达达主义

达达主义是反战争的反艺术运动,由一群年轻的艺术家和反战人士领导,他们通过反美学的作品表达对世界大战的绝望。

在达达主义艺术家看来,战争是毫无意义的,他们质疑发动战争的这个社会,因此质疑这个社会孕育出的美学。达达主义艺术家试图通过废除传统的美学形式,用新的艺术发现真正的现实。

针对“愚蠢、恶心、过时的书本”,达达主义者发起了一场的字体革命,自此,“加强文字的表现力”表现自由的字母和图像大量涌现。

来自达达主义的启发:

  • 尝试不同的字体、布局、留白
  • 不按规则出牌
  • 剪辑图片、票、报纸或其他印刷材料做剪贴画
  • 结合多种图像和文本传达反传统理性

达达主义艺术家质疑一切,Lauren Golembiewski直接将“质疑味道!”写在包装设计上,设计使用了大胆的留白和蒙太奇效果,每个瓶子都加了一个无意义的名字。

这幅海报提出了圣保罗市的Vila Madalena社区对人们的意义,用达达主义的手法展现了社区多种多样的文艺活动。

05.先锋派(1920s-1930s)

战争时期是一个富有创造性和创新的时代,先锋派这个词经常用来指来自战争时代的艺术家和作品。事实上,敢于尝试、具有开创性精神的艺术家们打破了设计的界限。

在荷兰,风格派艺术家们用抽象和简洁的图形和颜色表达对和谐有序的乌托邦理想。

在俄罗斯,结构主义设计师们将艺术与新技术、政治形态结合,为革命贡献力量,建设新国家。

在德国,包豪斯风格设计师们将艺术、工艺和工业结合,为大众设计更好的产品。

来自先锋派的启发:

  • 使用粗几何线条和图形
  • 使用基础、饱和的调色板
  • 使用蒙太奇
  • 使用大号粗体字

Rocket and Wink 为German Haus制作的企业形象设计使用了对比强烈、颜色少的配色方案,此外,受包豪斯风格的影响,这个设计只包括正方形、矩形、三角形和圆形这样的几何图形,这些元素增强了视觉识别。

Yannuck Buchs’ (非官方)的CD 封面设计显然借鉴了俄罗斯结构主义作品。设计采用了红色、黑色和白色的配色方案,由粗几何线条构成的几何图案和黑白蒙太奇元素。

Krzysztof Iwanski有一个非常棒的作品集,里面有一系列前卫抽象的海报,其中很多借鉴了先锋派的风格。这张海报是黑白照片、饱和色和混凝土块组成的拼贴画,画面的留白也十分出彩。

06.装饰艺术(1920s—1930s)

从兴旺的20年代到大萧条时期,装饰艺术旨在促进生产、刺激消费。装饰艺术起源于法国,在那奢侈品被视为短期经济复兴的关键。

法国工匠用特殊的材料,传统的手艺,借鉴经典和殖民时期风格,打造专属的、独一无二的作品。

随着装饰艺术传入美国,设计师们利用机器、城市和商业运作创造出适合现代生活的消费方式的新审美观。

来自装饰艺术的启发:

  • 使用粗而发散的线条
  • 使用抽象的几何形状创造平面二维图形
  • 从摩天大楼、机器、交通和爵士时代汲取灵感
  • 创造闪闪发光、有光泽的表面

装饰艺术在20世纪二三十年代传播到世界各地,包括上海,尤其是东湖路。Thread Design 为上海东湖路的上海啤酒工坊制作了这种装饰风格的设计。它以色彩饱和的背景和鎏金的著名装饰艺术建筑著称。

 Murmure为 Nördik Impakt 设计的电子音乐节观看手册打破了以往的美学视觉,就像装饰艺术的概念。现代和优雅的视觉识别图形在金色、摩登的摩天大楼上闪闪发光,摩天大楼呈几何图案,于页面下端渐渐消散。

07.国际主义风格(1950s—1960s)

有没有想过著名字体Helvetica的起源?这就是。国际主义风格(也称瑞士风格)形成于二战以后,追求简单、简约和精确。

上世纪50年代和60年代,瑞士设计师改进了先锋派风格的现代主义,加以印刷和蒙太奇效果。他们认为设计师只充当沟通者的角色,因此不需要个人表达。

事实上,这种风格体现了“形式追随功能”,因为设计师创造了一种通用的、匿名的、客观的图形语言。

来自国际主义风格的启发:

  • 使用无衬线字体,如黑体
  • 用摄影照片代替插图或图画
  • 给设计留出充足的白色空间
  • 使用网格制造有层次感的和非对称布局

简约是国际主义风格的关键。秉承“少就是多”的设计概念,The Negra为建筑工作室Cm2设计了一款简约、现代的视觉识别以反映其简约现代的工作环境。设计突出了字体,用黑白配色突出了有层次感的布局。

Abbas Mushtaq为温布尔登网球锦标赛设计的概念设计使用了醒目易读的字体,充足的留白,摄影照片和非常简单的配色。

08.中世纪风格(1950s—1960s)

对比欧洲,中世纪的美国在二战以后以极大的热情和繁荣来庆祝美好生活。

设计师借鉴了欧洲现代主义,并融入了乐观和繁荣的感觉,创造出明亮、多彩和充满活力的作品,极大刺激消费者花费。

来自中世纪风格的启发:

  • 使用明亮生动的配色
  • 留白充足
  • 使用有趣、富有表现力的插图
  • 创造充满活力、异想天开的作品

这些木质火车唤起了人们对塑料玩具之前时代的回忆,所以Ivan Aguair设计了一款同样能唤起人们对那个时代记忆的包装。他在中世纪风格的设计中使用了生动、抽象的美国汽车插图。

Vicki Turner的设计借鉴了中世纪风格,特别是著名设计师Alexander Girard的作品。她的作品细节丰富,具有强烈的几何感吗,色彩搭配醒目,还借鉴了民间艺术。

09.迷幻风格(1960s—1970s)

迷幻运动是受上世纪六七十年代迷幻药的流行的影响。事实上,60年代和70年代“战后婴儿”一代质疑美国的唯物主义和保守的较直观,他们发起了反叛性的青年运动。

他们常借音乐节和音乐会嗑药,因此,迷幻药成为了那一代的标志,在平面设计上表现为强烈的色彩、弯曲的线条和形状(类似于新艺术运动)以及潦草的字体。

来自迷幻风格的启发:

  • 使用明亮和冲突的配色
  • 不留白
  • 素描头像
  • 使用强烈的漩涡线条表现移动和变形的形状

一个迷幻的设计成就了这个Trippy Taco菜单,它用明亮的霓虹色彩和许多辐射线条来刺激你的眼球。

 One Horse Town 设计这张海报采用了迷幻设计风格,并且以钢琴键盘作为设计元素,整个画面没有留白,线条和图形极富动感。

10.后现代主义(1970s—1980s)

现代主义设计日趋相同、日渐呆板后,后现代主义设计师们试图用大胆、华丽、时尚的设计颠覆现代主义的条条框框。

毕竟是80年代,后现代主义设计师们忽略传统习俗,将高雅文化和流行文化融合,创造出了富有表现力的、活泼的平面设计。

来自后现代主义的启发:

  • 尽可能多地组合鲜艳的颜色
  • 不要有严肃感,嘻哈,注重形式而非功能
  • 用蒙太奇创造乐趣和美感,而非传递有意义的内容
  • 创造符合流行口味的设计

嘿,侃爷,你觉得自己是后现代主义者吗?借鉴达达主义和先锋派设计风格,Eric Yankher以Kanye West为肖像制作的版面杂志堆叠的画像就是典型的后现代主义风格。

正如Yankher所说,“从堆叠的部分能认出名人或许是唯一一个将他与大众划分开的东西”。

这是米兰文具品牌Write Sketch & (WS&)向后现代设计集团Memphis致敬制作出的一系列笔记本。这一系列笔记本使用了明亮柔和的颜色,用流畅的线条勾勒出只有美感没有实际意义的图形。

11.格朗基风(1990s)

Nirvana, Pearl Jam, Stone Temple Pilots——很多伟大的音乐家来自于90年代的格朗基时代,很多伟大设计也源于这个时代。如同后现代主义是现代主义的怪诞反应,格朗基风格是后现代主义的多彩反应。

格朗基风格旨在用脏兮兮的斑点和纹理,模糊的图像,破碎的图标表现现实生活。David Carson是格朗基风格的设计大师,他擅长使用富有表现力的字体,背景图像和纹理设计作品。

来自格朗基风格的启发:

  • 使用柔和、昏暗的配色方案
  • 使用模糊的图像
  • 使用污点、眼泪等肮脏的纹理和元素
  • 使用手写体和不常规的字体

来自西雅图的“蜜浆”(Mudhoney)乐队,是垃圾摇滚的代表,其鬼魅朋克的音乐影响了整个西雅图乐坛。这张海报使用了鬼魅的混合配色,锯齿状的字体和怪诞的图像,和“蜜浆”(Mudhoney)乐队很相配。

Marissa Passos为Thomas Edison的刊物设计的作品使用了潦草的手写字体和分层的纹理、图片,正如她所说的那样:“别循规蹈矩,做些叛逆的改变吧”。

轮到你了!

平面设计的时尚是个轮回。回顾过去寻找美学灵感的启发,做一个创新者而非模仿者。记住,潮流总是由它所在的历史环境决定。