10个世界知名的艺术运动，带你从艺术大师的作品中汲取灵感

后现代社会充斥着对过去的“致敬”元素。时尚界再次掀起阔腿裤和高腰元素的流行热潮，建筑和室内设计领域都在经历似曾相识的设计趋势（2019年至2020年，代表现代风格的独立式浴缸又开始流行起来），最近一部黑白电影获得了三项奥斯卡大奖。 但是，你知道这些艺术和设计的常青趋势何时、何地首次出现吗？ 在它们的鼎盛时期，艺术运动采取了反叛甚至是革命的形式，讽刺的是，一些现在被称为20世纪最具开创性的艺术运动的命名来源于最初批评和嘲笑先锋艺术家的人。 在这篇文章中，我们将探讨10个最具影响力的艺术运动，介绍它们在何时开始，为什么如此受欢迎，以及当代艺术和设计如何继承和发展这些艺术运动的宝贵遗产。

达·芬奇的《View of a Skull》（1489）和《Study for the head of Leda》（约1505-1508）虽然不是严格意义上的一个时期，但每一个艺术运动中都有线条艺术的身影。线条艺术最早发现于史前洞穴壁画中，并出现在各个时代的雕塑、素描、回话、插图、蚀刻和版画中。

达芬奇绘制的解剖图是一个典型的传统线条画例子，而现代的线条艺术则采用更抽象的几何形式。杰克逊·波洛克的抽象表现主义绘画认为是线条艺术，当代英国画家布里奇特·赖利的视错觉抽象作品也是如此。

使用简单的线条和图形也能做出精致的海报⁠（在新标签页或窗口中打开）

印象派起源于19世纪中期的法国巴黎。当一群青年艺术家——包括克劳德·莫奈、皮埃尔·奥古斯特·雷诺阿和卡米耶·毕沙罗——走出格莱尔画室，带着画架和颜料到室外时，印象派就诞生了。

印象派的绘画主题通常是风景，特点是笔触细腻可见（这与“不可感知的笔触是艺术”的传统学院派观点相悖），印象派的画家热衷于记录反光的色彩变化。 由文森特·梵高等艺术家领导的后印象派对印象派强调捕捉自然界不断变换的光、色效果不以为然，打破了光与色的所有“规则”，用富有感情的形式表达思想。

直到现在，光仍然是所有形式的当代艺术和设计的关键考虑因素和组成部分——也许我们要感谢印象派开启了自由地运用形式和色彩的实验。

使用美丽的自然风光摄影作为设计背景

法国艺术家乔治·修拉和保罗·西涅克是开创点彩派的绘画先驱，主张用纯色的圆点或者块在画布上取得更好的光色效果，反对在颜料盘上调和色彩。根据光学原理，在白色的画布上面，密集地排列大量纯色的圆点，由此产生的视觉色彩混合会形成详细的、立体的图像。

这种技术仍然广泛应用于各种媒介，包括时尚、艺术和纹身。创作点彩画的当代创意人包括：迈阿密艺术家Miguel Endara（他的作品《Hero》仅用一支钢笔绘制320万个手绘圆点完成）、日本波普艺术家草间弥生（被誉为圆点女王）以及水彩画家、《Lots of Dots: Beautiful Art that Starts with a Dot》一书的作者Ana Enshina。

波点元素可以用作简约的设计背景

1890年至1910年期间，新艺术运动在欧洲和美国的建筑、家具、珠宝、海报和插图领域蓬勃发展。 新艺术运动强调受到植物和花卉的自然形态的启发，这些有机生命的运动和线条给予了新艺术运动独特的风格，典型特点是弯曲的形状、深黄色、橄榄绿色和深红色以及不对称的线条——所有这些都是对工业化的强烈反叛。

捷克平面艺术家阿尔丰斯·穆夏和西班牙建筑师兼雕塑家安东尼奥·高迪是新艺术运动时期的代表人物。亨利·德·土鲁斯-劳特累克是近代海报设计与石版画艺术先驱，人称“蒙马特之魂”。赫克托·吉马德是法国新艺术运动的领军人物，巴黎地铁口的美丽弧线是那个时代的标志。 近年来，新艺术运动以平面设计领域内华丽植物插图的形式回归流行视野。

使用花卉植物插图制作海报边框

立体主义作为一个艺术运动，在发展起来不久，就被认为是20世纪绘画艺术最具原创性的创造。立体主义公认的开拓者和实践者是西班牙艺术家巴勃罗·毕加索和法国艺术家乔治·勃拉克，在巴黎会面后，这对好友的创作创作从具象图形转向完全抽象。

立体主义抛弃了艺术应该复制自然的观念，受到非西方艺术更具表现力倾向的影响，其特点是重组、解构，人们可以从各种角度看到碎片化的主题。

立体主义画家在后期还开始了拼贴画的绘画实践，图像不仅靠线和块来建构，也靠着来自于大众视觉文化的粘贴：壁纸、活页乐谱、明信片、报纸、戏票和其他单调的城市垃圾。 这种拼贴画的创作方式在今天依然很流行，数字艺术家通过将复古的老照片、物件与现代的标志性元素以及色彩、线条等元素结合起来，锻造出了强大的美学和政治联系。

1909年，意大利诗人和文艺理论家马里内蒂在巴黎的《费加罗报》发表了《未来主义宣言》，这标志着未来主义的诞生。 ”必须扫除一切以前用过的主题，以便表现我们的钢铁、骄傲、狂热和速度的疾驰的生活”。未来主义摆脱了立体主义的精确线条和方形形状，偏向于更不稳定、棱角分明的形式，目的是描绘当时的速度、活力和技术。

未来主义是一段短暂而激进的艺术运动，结束于1916年，但依然留下了它的印记。我们可以在大胆的交叉线条和阴影中发现未来主义的痕迹，这些线条和阴影为现代风格的设计增添了空间感和动感。

使用纯色几何图形的组合制作抽象背景

1920年代，从新艺术运动中兴起的装饰艺术运动美化大规模生产的功能性建筑，如时钟、汽车和建筑物。装饰艺术在两次世界大战之间蓬勃发展，代表了奢华、魅力、技术和社会进步。（如果你看过电影《了不起的盖茨比》，你就会明白装饰艺术的视觉表现）。

装饰艺术的特点是从有机自然的花卉风格转变为流线型的几何设计，多用对称、强烈的垂直线条和光滑的形式。装饰主义的另一个特征是现代化，结构鲜明，装饰性强，反映了机器生产时代的摩天大楼和钢梁结构。 装饰艺术的美学可以说从未真正过时，并且在当代文化中依然流行，特别是在最近兴起的复古平面设计趋势中。

以重复图案的方式使用垂直线条和几何形状设计装饰艺术风格的海报

1924年，作家安德烈·布勒东发表了《第一次超现实主义宣言》，呼吁一种无意识的、不受理智和社会系统控制的精神世界的诗学。超现实主义运动从西格蒙德·弗洛伊德的精神分析理论中汲取灵感，主张通过无意识的显现形式来进行文学和视觉的表现，西班牙画家萨尔瓦多·达利是这一流派的先驱。

超现实主义者通过传统技法来将现实的幻觉赋予超现实性和无意识性，这类意象存在于梦境中，存在于日常视觉真实与他们那凭空幻想的遭遇之中，也存在于明晰的技艺与晦涩的主题之间的紧张状态中。 超现实主义作品中发人深省的构图将继续在许多当代艺术中给我们带来惊喜，例如，来自澳大利亚的设计工作室Blacklist和罗马尼亚摄影师Madalina Iordache-Levay 的作品。现在我们拥有触手可及的照片处理工具，超现实主义可以在平面设计领域充分发挥创意。

超现实主义表现手法在插画中应用比较常见

苏打水、罐头汤和名人，这些是波普艺术的主题。波普艺术是1950年代中后期兴起的一场艺术运动，尽管它始于英国，但波普艺术在纽约迅速发展起来，安迪沃霍尔和贾斯珀·约翰斯等艺术家抛弃了关于艺术应该是什么的传统观点。

受流行的大众文化和商业文化的启发，波普艺术作品通常以常见的家居用品、消费品和包装（戴昂的可口可乐饮料瓶和金宝汤罐头）等元素为典型特色，以及为大众所熟悉的媒介形式（漫画、好莱坞电影、广告）和标志性面孔（玛丽莲·梦露、伊丽莎白·泰勒）。

当代平面设计师经常挪用波普艺术的风格特征，例如由点组成的图像、大胆的色彩和重复的系列图像，Jeff Koons、Alex Katz和Julian Opie是这一流派中的活跃艺术家。

波普艺术色彩鲜艳，图形新颖，运用在海报设计中会非常吸引人

极简主义艺术避开了艺术家的内心表达，更喜欢保持字面意思（正如极简主义的创始人之一，画家弗兰克·斯特拉所说，“除却所见，别无他物”）。极具简单性是这场运动的关键，艺术家专注于媒介和材料。

极简主义于1960年代出现在纽约，特点是稀疏性，包括弗兰克·斯特拉、雕塑家唐纳德、贾得德和画家卡门·埃雷拉在内的艺术家都倾向于使用尽可能少的线条和形式来创作一件作品，早期的作品往往是单色的。

这场运动只持续了十年，但极简主义至今非常流行——“少即是多”的哲学目前在许多创意领域都十分流行。极简主义风格的当代艺术家包括光基础艺术先驱玛丽·柯西和雕塑家 Arno Kortschot。

使用整洁的图片和文字排版制作极简风海报

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